Gracias por hacernos un hueco en vuestra web. Lethargus está formado por seis músicos de que vienen de grupos con estilos muy diferentes: La mente (maligna, seguramente) creadora de todo esto, Sergio Martínez, ha sido el bajista del grupo de Power Metal Phoenix Rising/Fire and Ashes durante muchos años. Ezequiel Marimón, batería, ha trabajado también con Isaac Palón, MortajA, ex- Druidas y Döxa. En Döxa también encontramos a uno de nuestros guitarras, Juanjo Alcaráz, que también ha participado en Enderdawn y el proyecto de Patricia Tapia KHY. También a las cuerdas tenemos a Miguel Bueno, guitarra de la banda de covers Still Rock y ex miembro del grupo de Power Metal Third Dim3nsion. De Third Dim3nsion también, Karelian y DoReMiFaRock (Rock para peques) vengo yo, Elena Alonso, que me encargo de darle a las teclas. Y, por último, el veterano, Alfonso de Lope, que podéis conocerle por grupos como Is Pain o Galery, su proyecto en solitario.

– Suele resultar difícil encontrar un nombre que llame la atención y plasme toda la esencia del proyecto. ¿Cómo surgió el nombre de la banda?

Lethargus surge de la mente (maligna, seguramente) de Sergio Martínez (bajista), bajo una premisa muy interesante: nos “meten” en la cabeza que el público actual no se mueve, está aletargado. Que la sociedad no lucha, que el mundo se para y se adormece. Nosotros queremos reivindicar esto llamando al despertar, ofreciendo un lugar (el concierto) donde despertar, disfrutar en grupo, y divertirse durante un buen periodo de tiempo. De ahí que seamos Lethargus. 

– Da la sensación de que no ha habido ninguna atadura y que el sonido está muy conseguido, basculando entre el metal y el Heavy/Power, mezclando los tintes más clásicos con los sonidos más modernos en un lienzo de oscura fantasía urbana. ¿Qué intencionalidad teníais a la hora de componer el álbum? ¿Cómo se alcanza ese grado de singularidad, no poniéndose límites a la hora de componer? 

Queríamos conseguir algo que, aunque difícil, no es imposible: que escuches y digas “suena a Lethargus”. Nos han catalogado de maneras muy loquillas, con etiquetas dispares que es solo una manera de indicar que somos seis personas que venimos de lugares muy distintos y ponemos nuestra experiencia en él. Se trabajó mucho, por parte de Sergio (bajo) y Juanjo (guitarra) sobre todo, un hilo conductor en todas las composiciones, pero que tuvieran a su vez la fuerza necesaria para expresar todo lo que teníamos que decir en “Origen”. Suena a lo que siempre hemos querido escuchar.

El álbum está basado en un viaje a una realidad de oscura fantasía urbana. Un manual creativo que rehúye de ciertos sonidos y pautas comunes pasadas, con sorprendentes mutaciones de las guitarras y una riqueza y complejidad en la bases rítmicas en una atrevida búsqueda de personalidad musical propia. ¿Cómo resumiríais ese camino hasta llegar a este nuevo álbum? ¿Ha resultado duro? ¿Cuál es para vosotros el elemento más importante en una canción?

Vamos por partes, como Jack el destripador. Teníamos claro desde el minuto cero que “Origen” es una carta de presentación, un modo rotundo de decir “estoy aquí” que puede ir desde asombroso hasta desastroso. Trabajamos mucho la conceptualización del grupo, y eso se traslada a los detalles que pueden encontrarse en guitarras, bajos, batería, voz y teclado. Hay cientos de detalles para el oyente atento, sin ser agotador para el oyente que simplemente quiere disfrutarlo de fondo.

Proyectar un grupo como tenemos en nuestra mente (maligna, seguramente), exige que sea duro, porque los resultados deben ser excelentes. Queremos divertir, motivar, unir, y eso no es fácil. Personalmente puedo decir que el elemento más importante de la canción no se ve como tal. Pero es ese “clack” que te dice “esto es para mí”. Casi nada.

– Sin duda alguna uno de los puntos fuertes de este primer trabajo es la producción global del álbum. ¿Cómo ha sido la grabación y producción de este trabajo? ¿Teníais claro cómo queríais que sonará el álbum antes de entrar al estudio? ¿Habéis empleado mucho tiempo en su composición?

Contar con Fernando Asensi ha sido un regalo. Nos ha ayudado mucho a conseguir el resultado final que buscábamos, el sonido que teníamos en mente, y estamos muy satisfecho. La grabación fue, como todas, sonrisas y lágrimas: ha habido días de 40 de fiebre, de grabaciones hasta las 4 de la mañana, pero también de satisfacción al ver que algo quedaba incluso mejor que lo esperado.

– En una primera toma de contacto da la sensación de ser un disco de gran versatilidad rítmica, con una elevada precisión interpretativa y riqueza melódica, pero escuchándolo atentamente te das cuenta del gran trabajo que hay detrás, repleto de detalles y matices. ¿Es así?

Se ha intentado eso, que sea versátil y rico, y diría que incluso hay matices que son apreciables mejor en directo que en el CD en sí, lo que también da un poquito de juego a la banda. Hace que sea música viva, que no te aburres de escuchar, que no te aburres de verlo en directo.

– Supongo que cada uno de vosotros tenéis vuestros propios gustos musicales y una distinta manera de concebir la música, ¿Cómo hacéis para alcanzar un determinado consenso a la hora de definir las pautas de actuación y musicalmente el camino a seguir?

Lethargus es un Supermegazord engrasado hasta la última pieza, sin uno no hay todo, e intentamos que cada detalle no sea baladí, sino tenga un por qué, lógicamente. La experiencia de cada uno aporta color a esos matices, pero tenemos muy claro la línea a seguir, no hay mucho que discutir en ese aspecto. Como en todo, lo que funciona es la comunicación. Hablar, hablar y hablar como si fuéramos una pareja de nonagenarios.

– Es de lo más llamativo que las bases rítmicas no caen en ningún momento en algo preconcebido, acicaladas con un toque distinto y ofreciendo diferentes alicientes, unas formas diversas, y una gran pulcritud en arreglos, en constante crecimiento, para huir de ciertos simplismos ya escuchados, pero sin perder la fuerza en el sentimiento. Un alto grado de variedad existente entre unos cortes y otros. ¿Os habéis involucrado todos en el tema de arreglos o habéis seguido fundamentalmente unas pautas fijadas de antemano? ¿Hay algún temática predominante en las letras?

Sobre los arreglos, A y B. Sergi y Juanjo (Y Miguel con Letargo) nos han ofrecido pautas que se han ido enriqueciendo con los arreglos de cada uno. Siendo cada uno el que tenía peso sobre su instrumento a la hora compositora, pero abiertos a ideas locas que pudieran encajar y a la idea del tema.

Las letras nacen de la mente (maligna, seguramente) de Sergi y aunque no tienen una conceptualización, con todo lo que ello implica, sí que narran un viaje espiritual. Cada uno puede sentirse identificado con algún momento, con alguna frase. Esa es la clave.

– ¿Qué bandas os han marcado el camino que lleváis en vuestra música? ¿Qué elementos del disco creéis que os pueden hacer destacar del resto de grupos actuales?

Sinceramente, no ha habido un “queremos sonar como X”. Todos somos seguidores de un buen número de bandas y artistas, desde Neal Morse hasta Symphony X, pasando por Battle Beast o el rollito que tiene Uriah Heep. No podríamos quedarnos con una (o varias). 

Sobre qué nos puede hacer destacar, creo que es que aunque puede sonarte a algo que reconoces, no es algo que hayas escuchado antes como tal (y la prueba nos lo da el feedback de la tribu de Lethargus que nos cuentan qué les recordamos a grupos super dispares). Cada escucha aporta algo que no has oído la primera vez, sin que la primera vez sea anodina. Por ejemplo, en el caso de los teclados todo se lleva a directo tal cual, sin secuencias de fondo. Pero no es solo el disco, es el todo. El universo de Lethargus es único. Y que juntar a seis tarados como nosotros no es fácil de encontrar. Eso desde luego.

– Actualmente hay muchos grupos que saturan sus trabajos con exceso de producción de forma que oculta o disfraza la falta de creatividad. ¿Cuál es vuestra opinión al respecto?

Actualmente hay tantísima oferta que encontramos muchísimas maneras de presentarlas. Nosotros no somos quien ni debemos juzgar qué caminos elige quien para mostrar su música, porque sería como afirmar que Pepsi o Cocacola es mejor o peor. A nivel totalmente personal, valoro más un grupo que se enfrenta a un escenario sin secuencias de teclado, por ejemplo, pero entiendo que en según qué casos es imprescindible, aunque no sea mi modus operandi. Si su mensaje llega y hay alguien que se siente feliz con él, adelante, aunque no seamos nosotros consumidores del mismo. Lo importante es que la música transmita, aunque sea a uno. 

– ¿Qué es para vosotros la experimentación, un fin en sí mismo o un medio para obtener algo diferente?

Personalmente creo que es un medio para tener resultados diferentes. Para jugar también, y ver qué puede valer, qué pasa si pulsamos en X en vez de Y. Pero no el fin como tal, sino una de las piedras que hacen el camino y crean nuevas formas de caminar.

– ¿Cómo valoráis el gancho que ejercen las nuevas tecnologías en el panorama musical actual?

A día de hoy, da voz a muchísimas bandas. Ofrece maneras de experimentar y ofrecer nuevas cosas que sitúan a las bandas en el punto de mira. Y mola poder hacer virguerías con luz, proyección… Es un extra a la música.

– ¿Creéis que la música en vivo pasa por un buen momento, en el sentido de que la nuevas generaciones no están a la altura de tiempos pasados en predisposición de descubrir nuevas bandas y apoyar la música en vivo?

Es complicado, el método de consumo de la gente hoy no es igual a hace 20 años. El tipo de ocio no es el mismo, y el tiempo para el mismo se ve repartido entre otras acciones. Ya no es “o me quedo en casa viendo la Tele o voy de concierto”. Hay mucha gente apoyando la música, pero también hay mucha más gente sin dinero, sin tiempo, sin ganas, aletargadas. Quizá cuesta un poco más, pero quiero creer que sí que se puede llegar. Aunque con el triple de curro. Habrá que ver cómo encajar esto en los nuevos tipos de ocio.